Елена Коваленко
Пособие для занятий «Знакомство с балетом»
▼ Скачать + Заказать документы
Балет
Слово "балет" имеет два значения. Во-первых, это танцевальный спектакль, а во-вторых, так называется вид музыкально-театрального искусства, который использует язык танца.
В драматическом спектакле актеры ведут себя на сцене, в том числе и разговаривают, как в обычной жизни. В опере действующие лица поют. В балете же все по-другому : его слова - движения. И как слова складываются в предложения, а предложения - в рассказы и стихотворения, так в балете из отдельных движений возникают танцы, составляющие спектакль. Спектакль, рассказывающий о чувствах героев безмолвно - только движениями тела и выражением лица.
Темочки:
Балетмейстер
"Балетмейстер" - в переводе с немецкого "мастер балета". Н. В. Гоголь назвал балетмейстера композитором танца, творцом балета. Это действительно так. Успех спектакля больше всего зависит от работы балетмейстера.
Работа балетмейстера необыкновенно сложна. Он должен обладать уникальным даром - уметь придумывать множество разнообразнейших танцевальных композиций. Кроме этого, балетмейстеру необходимо хорошо знать музыку и живопись, историю и литературу. Ему также должны быть известны особенности всех участников спектакля.
Чрезвычайно важен правильный подбор актеров, от этого зависит успех спектакля. Каждый артист индивидуален. Даже по анатомическому строению все разные: высокого и небольшого роста, круглолицые и с удлиненным овалом лица, у одних ноги длинные и тонкие, у других - короче и полнее. Все это, не говоря уже о технических возможностях артистов, имеет большое значение
Балерина
Так называют танцовщицу в балетной труппе. Это слово появилось во второй половине XIX века после триумфальных выступлений на сценах различных стран итальянских балерин, удививших всех своей виртуозной техникой. В России это звание поначалу это звание присуждалось только ведущим танцовщицам императорской балетной труппы. Балеринам был установлен повышенный оклад, и они имели право на исполнение лучших партий в спектаклях. Позднее балеринами стали называть всех артисток балета.
Еще существует название прима-балерина, дословно означающее "первая балерина". Так называют танцовщицу высшей квалификации, исполняющую ведущие и заглавные партии в балетах и обладающую неповторимым своеобразием, артистизмом и высокой техникой.
По аналогии с балериной исполнителя-мужчину иногда называют "балерун". Это неверно. Мужчина, танцующий в балете, - танцовщик или артист балета.
Выворотность
Этим не совсем обычным словом называется способность танцовщика к свободному развертыванию ног наружу - от бедра до кончиков пальцев. У людей пальцы ног, как правило, "смотрят" вперед, а у артистов балета - в стороны, то есть линия стопы параллельна линии плеч. Выворотность может быть врожденной, что зависит от строения тазобедренных суставов, или же приобретенной - в результате длительных упражнений.
Для чего нужна выворотность? Во-первых, она позволяет танцовщику легко и изящно выполнять все боковые движения, оставаясь лицом к зрителю. Во-вторых, когда выработана необходимая выворотность, ноги движутся легче и можно поднять ногу максимально высоко, не нарушая равновесия тела. В-третьих, линии тела танцовщика благодаря выворотности становятся более привлекательными.
Запись танца
Что делает писатель, когда ему в голову приходит удачная мысль или фраза? Скорее записывает ее, используя всем известные слова. А что делает композитор, сочинив новую мелодию? Спешит записать ее с помощью нотного письма. Художник в таких случаях делает наброски и эскизы. А что делать балетмейстеру, когда в его воображении родились новые движения будущего танца?
Описывать их? Долго, да и очень трудно передать словами движения тела. Не верите? Тогда посмотрите по телевизору какой-нибудь танец, а затем опишите его. Вы думаете, по вашим записям можно точно воспроизвести танец?
Зарисовывать? Опять-таки долго, к тому же не все обладают талантом рисовальщика.
Проблема создания условных знаков для записи танцев возникла давно. Считают, что древние египтяне использовали в этом случае иероглифы. В храмах Южной Индии сохранились скульптурные изображения 108 основных положений индийского классического танца. Древние римляне употребляли систему записи жестов в пантомиме.
Что же касается балета, то впервые систему условных знаков для записи танца ввел в 1700 году французский учитель танцев Фейо, назвав ее хореографией (от греческих слов choreia - пляска и grapho - пишу). Сейчас словом "хореография" называют танцевальное искусство, раньше, как видите, его смысл был другим. Систему Фейо использовали до конца XVIII века. С усложнением танцевальной техники возникла необходимость в более точной записи движений. В 1852 году французский балетмейстер А. Сен-Леон сделал такую попытку, написав книгу "Стенохореография".
В России артист балета В. Степанов разработал свою систему записи, похожую на нотную. С ее помощью в Мариинском театре записано 27 балетов.
В XX веке продолжились попытки создания более совершенной системы. В 1940 году в Нью-Йорке было открыто Бюро записи танца, а в Великобритании в начале 1960-х годов - Институт хореологии, готовящий специалистов по записи танца.
В наше время, благодаря развитию кино- и видеотехники, дальнейшее совершенствование записи танца потеряло свою актуальность.
Исторический танец
Историческими называются все бытовые танцы, исполнявшиеся в прошлом на народных празднествах и придворных балах. Менуэт, гавот, экосез, контрданс, па-де-катр, полонез, полька, вальс - все это исторические танцы. Они, по сравнению с классическими, не столь сложны и не требуют виртуозного исполнения. Но знание их стиля и манеры исполнения имеет порой большое значение, особенно для балетмейстера, который собирается ставить балет на историческую тему.
История балета
Балет - искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения.
Термин "балет" появился в конце XVI века (от итальянского balletto - танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие "балеты" состояли обычно из мало связанных между собой "выходов" персонажей - чаще всего героев греческих мифов. После таких "выходов" начинался общий танец - "большой балет".
Первым балетным спектаклем-представлением стал "Комедийный балет Королевы", поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо.
В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище "Король-Солнце" получил после исполнения роли Солнца в "Балете ночи".
В 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.
Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.
В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.
К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм: панталоны в обтяжку до колен и чулки позволяли разглядеть фигуру танцовщика.
Хотя французская балетная школа славилась изяществом и пластичностью, ей была свойственна некоторая холодность, формальность исполнения. Поэтому балетмейстеры и артисты искали иные выразительные средства.
В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве - романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете "Сильфида" она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.
В России первый балетный спектакль - "Балет об Орфее и Евридике" - поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская "потеха", привлекавшая своей необычностью и новизной.
Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.
В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. Поначалу они выступали в балетах иностранных мастеров в качестве фигурантов (так называли артистов кордебалета, а позже в главных партиях. Замечательный танцовщик того времени Тимофей Бубликов блистал не только в Петербурге, но и в Вене.
В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Очень точно это почувствовав, А. С. Пушкин назвал танец своей современницы Авдотьи Истоминой "душой исполненный полет".
В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.
В середине XIX века в русскую литературу и искусство пришел реализм. Балетмейстеры лихорадочно, но безрезультатно пытались создать реалистические спектакли. Они не учитывали, что балет - искусство условное и реализм в балете значительно отличается от реализма в живописи и литературе. Начался кризис балетного искусства.
Содержание спектаклей было примитивным, незамысловатые сюжеты служили лишь поводом для эффектных танцев, в которых артисты демонстрировали свое мастерство. Для танцоров главной стала отточенность формы и техники классического танца, и в этом они достигли виртуозности.
Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было "Лебединое озеро". До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.
Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке. Потребовались новые средства выразительности и новый подход к созданию спектакля.
Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.
Но подлинный реформатор балетного искусства - Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. При постановке балета "Египетские ночи" Фокина вдохновляли поэзия В. Брюсова и древнеегипетские рисунки, а образы балета "Петрушка" навеяла ему поэзия А. Блока. В балете "Дафнис и Хлоя" он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески. Его "Шопениана" возродила атмосферу романтического балета. Фокин писал, что "мечтает создать из балета-забавы балет-драму, из танца - язык понятный, говорящий". И ему это удалось.
В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России - Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма - стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.
Павлова - лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами - вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. "Умирающий лебедь", созданный великой балериной Павловой, - поэтический символ русского балета начала XX века.
Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.
После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.
Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.
В конце 1950-х годов наступил перелом. Хореографы и танцовщики нового поколения возродили забытые жанры - одноактный балет, балетную симфонию, хореографическую миниатюру. А с 1970-х годов возникают самостоятельные балетные труппы, независимые от оперно-балетных театров. Их число постоянно увеличивается, среди них появляются студии свободного танца и танца модерн. Но академический балет и школа классического танца по-прежнему остаются в нашей стране ведущими.
Класс
Всю свою творческую жизнь, с поступления в балетную школу до выхода на пенсию, артисты балета занимаются классом - так они называют урок классического танца. Занимаются все без исключения: и только что зачисленные в труппу юные балерины, и "звезды", получившие множество наград на балетных конкурсах. Это необходимо для того, чтобы постоянно поддерживать себя в форме.
Классический танец
Чтобы грамотно говорить и писать, надо знать правила языка. То же самое и в балете. Только там вместо слов - движения, а вместо орфографии и синтаксиса - правила классического танца. Это название появилось в России в конце XIX века. До этого балетный танец называли "серьезным", "благородным", "академическим".
Костюм
Особую роль играет в балете костюм. Артист на сцене должен быть одет так, чтобы костюм не мешал, а помогал движению. К тому же он должен не только отличаться легкостью, но своим цветом и формой соответствовать характеру персонажа. И при этом лишь намеком, очень условно приближаться к бытовому или историческому костюму.
Значительным событием для балета стало появление во второй половине XVIII века трико - обтягивающего тело костюма. Его изобретение приписывают Мальо, костюмеру Парижской оперы. Трико стало обязательным атрибутом костюма классического танцовщика, а также одеждой для репетиций и тренажа.
Но, пожалуй, самым важным элементом костюма для танцовщиков является обувь. От того, насколько она удобна, зависит качество танца. Бывает, что из-за неподходящих туфель балерина не может легко и свободно танцевать и срывается с пальцев. Поэтому очень высоко ценится хороший мастер балетной обуви. В народе балетную обувь иногда называют тапочками. Это неверно. Правильное название - туфли. Их шьют в специальных мастерских. Женские - с твердым носком, мужские - мягкие, обтягивающие ногу, как перчатка.
Пачка
Так называется короткая пышная многослойная юбка танцовщицы. Современная пачка - видоизмененный костюм танцовщиц романтического балета, туники, впервые созданный в 1839 году для балерины Марии Тальони - исполнительницы партии Сильфиды. По мере усложнения техники танца, требовавшей все большей свободы движений, пачка укорачивалась. В конце XIX - начале XX века ее шили из тонкой материи, сложенной в несколько рядов, каждый слой длиннее предыдущего, затем пришивали к корсажу или лифу. Сейчас ее делают из легких и упругих синтетических тканей. Международное наименование пачки - "тютю" (франц. tutu).
Позиции классического танца
Пять позиций ног и три позиции рук - это основа классического танца. Позиции помогают танцовщикам правильно исполнить каждое движение, определяют грацию и выразительность танца.
Позиции ног
Первая позиция: ступни соприкасаются пятками и развернуты носками наружу, образуя на полу прямую линию. Вторая позиция: сходна с первой, но пятки выворотных ног отстоят одна от другой на длину ступни. Третья позиция: ступни прилегают одна к другой таким образом, что пятка одной ступни соприкасается с серединой другой ступни, то есть одна стопа наполовину закрывает другую. Эта позиция в настоящее время используется редко. Четвертая позиция: выворотные ступни стоят параллельно друг другу на расстоянии примерно одной стопы. Пятка одной ступни должна находиться прямо перед носком другой. Пятая позиция сходна с четвертой, с той разницей, что ступни плотно прилегают одна к другой. Все па классического танца являются производными от этих позиций.
Позиции рук
Первая позиция: округленные руки подняты вперед на уровне диафрагмы. Вторая позиция: руки разведены в стороны на уровне плеч. Третья позиция: руки подняты над головой. Кроме этого, есть еще подготовительная позиция: опущенные вниз руки округлены в локтях и кистях и слегка отделены от корпуса. Все остальное - сочетание этих позиций: правая рука может находиться во второй позиции, а левая - в третьей и т. д.
Пуанты
Это обувь балерин, получившая название от французского слова pointe - острие, кончик. Пуанты имеют твердый носок и чаще всего изготовляются из розового атласа. Они закрепляются лентами, которые завязываются крест-накрест вокруг ноги. Танец на пуантах - танец на кончиках пальцев - один из основных элементов женского классического танца. Предполагается, что впервые на пуанты встали итальянская балерина Мария Тальони и русская - Авдотья Истомина.
Репетиция
Это слово переводится с латинского языка как "повторение". Репетицией в театре называют предварительную работу, подготовку, а также пробное исполнение спектакля. Есть еще генеральная репетиция - последняя проверка перед выпуском спектакля. Генеральная репетиция проходит в декорациях и в костюмах, с приглашенными зрителями.
Станок
Вдоль трех стен репетиционного зала расположены станки - специальные горизонтальные палки на кронштейнах, за них держатся артисты во время упражнений. Четвертую занимает огромное зеркало, в которое они смотрят на себя, выполняя упражнения. Зеркало необходимо танцовщикам, чтобы постоянно проверять правильность своих поз и движений.
Танцовщик. Танцовщица
Так называют профессионального артиста балета. В дореволюционном балетном театре танцовщики делились на классических, характерных, гротесковых, лирических и героических. В современном театре это деление существует неофициально.
Труд танцовщиков тяжел. Из-за больших физических нагрузок артистов балета иногда сравнивают со спортсменами, а балет с таким видом спорта, как художественная гимнастика. Спора нет, художественная гимнастика тоже красива и трудна, но вот в чем разница: гимнастка, выполняя свою спортивную задачу, ни о чем нам не рассказывает, балерина же в спектакле не просто танцует - она изображает влюбленную девушку, умирающего лебедя, злую колдунью, передавая своим танцем то радость и веселье, то скорбь и грусть.
Уж если можно в чем-то сравнить артиста балета и спортсмена, так это в том, что и тот, и другой должны соблюдать строгий режим. При регулярных ежедневных занятиях и большой физической нагрузке им необходимо следить за своим здоровьем. Спортсмены, готовясь к соревнованию, стараются поддерживать хорошую форму. Готовится к каждому выступлению и артист балета. Он приходит в театр за несколько часов до спектакля и начинает гримироваться, надевает костюм, "разогревается" - проделывает ряд танцевальных упражнений, подготавливающих тело и ноги к танцу.
Из-за тяжелого труда для танцовщиков установлен 20-летний стаж работы, и в 38-40 лет они, как правило, выходят на пенсию. Конечно, есть исключения. Плисецкая на концерте в честь пятидесятилетия своей сценической жизни танцевала. Да еще как! Уланова, Васильев, Максимова танцевали гораздо дольше положенных по закону двадцати лет. Некоторые танцовщики, имеющие склонности и способности, работают хореографами и педагогами, но большинство балетных, не достигнув сорока лет, становятся пенсионерами.
Характерный танец
Это название произошло от слова "характер" (в значении "образ"). Различные персонажи балетного спектакля, например крестьяне, ремесленники, матросы, разбойники, должны были отличаться друг от друга не только костюмом, но и танцем. Правила в характерном танце соблюдались не так строго, как в танце "серьезном". В начале XIX века смысл термина изменился. Xарактерный танец стали называть полухарактерным (деми-характерным, а определение "характерный" перешло к народному танцу, обработанному и приспособленному для балетного спектакля. Это значение сохранилось до наших дней.
Хореографическое училище
Чтобы стать профессиональным артистом балета, надо с десятилетнего возраста долгих восемь лет учиться этому ремеслу в хореографическом училище.
Елена Коваленко | Все публикации
